Diseñadores

Desde Diseño Social presentamos esta entrevista a Marta Corvero Morneo, estudiante de FP de Artes Gráficas del IES Puerta Bonita, que ha realizado sus prácticas con nosotras en Diseño Social.

Durante este periodo, Marta ha podido acercarse al diseño desde una dimensión profesional, pero también crítica y social. Su mirada combina curiosidad, sensibilidad visual y una clara conciencia sobre el papel que pueden tener las imágenes en la forma en que entendemos el mundo, nos posicionamos ante determinadas realidades y participamos en conversaciones colectivas.

En esta entrevista, Marta habla de su relación con el arte, el diseño y la expresión personal; de la importancia de conservar el trazo humano en un contexto cada vez más automatizado; y de su interés por crear piezas visuales capaces de denunciar, cuidar, incomodar y movilizar. Sus trabajos exploran temas como la memoria, la resistencia, los cuerpos, la fuerza colectiva y la capacidad del diseño para abrir preguntas necesarias.

Para Marta, diseñar no consiste únicamente en crear imágenes atractivas. Es también una forma de dar sentido a la creatividad, de poner la mirada en problemas reales y de construir mensajes que puedan generar reflexión. Esta conversación nos permite conocer mejor su proceso, sus referentes, sus aspiraciones y la voz propia que empieza a consolidar como joven diseñadora.

1. Entrevista

Para empezar, Marta, ¿cómo te presentarías más allá de decir tu nombre y lo que estudias?

Me considero una persona con una gran curiosidad intelectual, me apasiona estar en constante aprendizaje y evolución.
En mi día a día, soy de las que se fija mucho en los pequeños detalles, esos que para otros pasan desapercibidos, porque creo que ahí es donde nacen las grandes ideas.
Para mí, el arte y el diseño son un canal de expresión y una herramienta clave para comunicar mensajes potentes. En el ámbito personal y de equipo, soy muy paciente y empática, pero a la vez necesito estar en movimiento y proponer cosas nuevas. Además, me enriquece muchísimo el intercambio cultural, conocer gente nueva y entender diferentes mentalidades, algo que considero fundamental para un gran desarrollo personal.

¿Cuándo empezaste a sentir que el diseño podía ser una forma de expresarte?

Desde muy pequeña encontré en el arte mi principal vía de comunicación, siempre me recuerdo dibujando o haciendo manualidades, pero el verdadero punto de inflexión llegó cuando empecé a utilizar mi propia piel como lienzo a través del maquillaje artístico.
En ese momento, esa niña que solía ser callada y reservada descubrió una voz propia. El arte me dió la seguridad para exteriorizar todo lo que llevaba dentro, sin miedos y con orgullo. Ahí entendí que el arte no es solo estética, sino una herramienta capaz de romper barreras y proyectar quiénes somos realmente.

¿Por qué elegiste estudiar diseño? ¿Fue una vocación clara o algo que fuiste descubriendo poco a poco?

Elegí estudiar diseño con el objetivo de complementar y potenciar mis estudios anteriores en moda e imagen corporativa.
Quería adquirir una visión mucho más global y multidisciplinar de la profesión, lo que me permite abrirme puertas hacia nuevas ramas del diseño que antes no había explorado.

¿Qué tipo de diseñadora estás descubriendo que quieres ser?

Mi gran meta como diseñadora es liderar proyectos que unan la innovación con un propósito social. Me gusta la idea de crear piezas que no solo destaquen visualmente, sino que tengan una utilidad real y sirvan para mejorar o visibilizar situaciones humanas.
Quiero poner mi creatividad al servicio de soluciones que de verdad aporten valor a la comunidad.

2. Diseño social: incomodar, cuidar, denunciar y movilizar

Tus diseños trabajan ideas muy potentes: supervivencia, memoria, censura, fuerza colectiva, cuerpos, resistencia. ¿Qué te llevó a moverte en ese territorio?

Desde siempre me he considerado una persona con las ideas muy claras, me gusta luchar por lo que creo y defenderlo con argumentos. Si tengo la oportunidad, busco poner mi grano de arena para visibilizar y solucionar problemas donde el cambio y la revolución deben venir desde abajo. Concibo mis diseños como una extensión de mis propias experiencias y vivencias personales.

Me interesa esta idea: cómo el diseño puede incomodar, cuidar, denunciar y movilizar. ¿Qué significa para ti diseñar desde ahí?

Para mí, diseñar desde ahí significa darle un propósito a mi creatividad. Significa rechazar la idea de que el diseño es solo para estética o vender, y asumir la responsabilidad de poner mi grano de arena en los problemas reales. Mis diseños nacen de mis propias vivencias y son mi herramienta para incomodar al poder, denunciar la injusticia, cuidar la dignidad humana y movilizar al cambio.

¿Crees que el diseño social debe ser directo, o también puede ser ambiguo, poético y abierto?

El diseño no debería estar encasillado en una sola función, el diseño, ante todo, debe ser libre. Su lenguaje y su estética dependen enteramente del impacto que busques generar. Si el objetivo es la denuncia, la movilización o generar una reacción inmediata, lo mejor es que el diseño sea directo y explícito. Debe ir a la raíz, sin filtros, como un grito visual. Por el contrario, si buscamos cuidar o invitar a la reflexión, el diseño puede permitirse ser sutil, abierto y ambiguo. De ahí sus mayores bellezas, la capacidad de crear piezas abstractas que respeten la libre percepción de cada persona.

3. Inspiraciones y referentes

¿Te interesa que tus diseños conserven algo de lo imperfecto, de lo hecho a mano, de lo urgente?

Para mí es fundamental que mis diseños conserven siempre la esencia de lo hecho a mano. En un mundo cada vez más automatizado y liderado por la inteligencia artificial, creo que rescatar el trazo humano, la textura o el detalle imperfecto es una necesidad.
Ese toque artesanal es lo que aporta alma, originalidad a un proyecto, diferenciándolo de lo puramente algorítmico.

¿Qué crees que aporta una intervención manual —como un trazo, una mancha o una palabra escrita encima— frente a un diseño más limpio y controlado?

La intervención manual en un diseño es como dejar una huella dactilar creativa. Con un trazo, una textura o un error intencionado, creamos algo irrepetible. Recrear digitalmente ese pulso es casi imposible, porque responde a la fuerza y a la emoción de un segundo preciso que solo ese diseñador puede recrear.
Frente a las líneas perfectas, limpias y controladas, una mancha o un trazo libre tienen el poder de humanizar el mensaje generando cercanía y empatía con el público.

4. Proceso creativo

En estas dos piezas, ¿qué vino primero: el mensaje o la estética?

Para mí, el proceso creativo siempre empieza por el mensaje, mucho antes de pensar en la estética. Lo primero que necesito saber es qué quiero transmitir, cómo lo quiero comunicar y, sobre todo, qué impacto real quiero causar.
Una vez que eso está sólido, la estética nace de forma natural, es ahí cuando decido el estilo, los colores y el diseño más adecuado.
Creo que diseñar al revés es un error, porque corres el riesgo de crear algo bonito pero vacío.

¿Trabajas con bocetos, moodboards, pruebas tipográficas, fotografías, frases sueltas?

En mi proceso creativo, aunque soy muy visual y desde el primer segundo me salta una idea clara en la cabeza de cómo quiero que sea el resultado, para asegurarme que esa idea funcione, el primer paso que doy es buscar referencias y construir un ‘moodboard’ rápido que me ayude a definir el rumbo.
A partir de ahí, un primer boceto, es mi forma de comprobar si la imagen mental que tengo realmente es viable. Después, selecciono y pruebo diferentes imágenes y juego con la tipografía hasta encontrar la combinación idónea que mejor encaje.

¿Qué decisiones fueron más importantes en estas piezas: la tipografía, la fotografía, el color, el ritmo visual, el contraste o el tono del mensaje?

Pienso que, al menos en los proyectos que he realizado, no hay ningún elemento que sea más importante que el resto. Al final, el diseño funciona como un engranaje: la tipografía, los colores, las imágenes y la composición son piezas que dependen las unas de las otras. Todo el conjunto tiene exactamente el mismo peso y valor.
De nada sirve tener una idea brillante o una imagen impactante si la tipografía dificulta la lectura, o si la elección del color no transmite la emoción adecuada. La clave de un diseño que funcione y comunique de manera efectiva está en el equilibrio.

¿Qué tipo de comentarios te ayudan más a mejorar: los técnicos, los conceptuales, los emocionales o los de personas que no vienen del diseño?

Pienso que los comentarios que más ayudan a crecer a un proyecto nacen de un mix de perspectivas. Por un lado, el feedback técnico de un experto en diseño es importnate para pulir la ejecución, la composición o la tipografía. Pero, por otro lado, la opinión de alguien totalmente ajeno a este mundo importa muchísimo, al fin y al cabo, la mayoría del público que va a interactuar con nuestros diseños en el día a día no tiene formación técnica. Si ellos no lo entienden o no les llega, el diseño ha fallado.
Del mismo modo, recibir críticas desde un enfoque conceptual y emocional es fundamental para saber si la pieza transmite la sensibilidad y el mensaje correctos.

5. Pieza “We are powerful because we have survived”

En esta pieza aparece la frase “We are powerful because we have survived”. ¿De dónde viene esta frase y por qué la elegiste?

Esta frase es de Audre Lorde, una escritora y activista feminista, antirracista y LGTBIQ+ afroamericana del siglo XX.
Nace de su experiencia luchando en las calles contra la opresión de los colectivos marginados, y también de su batalla personal contra el cáncer. Para ella, el simple hecho de conservar la identidad, resistir y seguir vivos en un sistema que intenta borrarte es una victoria.

¿Qué significa para ti esa idea de que somos poderosas porque hemos sobrevivido?

Para mí, esa frase significa que el dolor, la vulnerabilidad y las batallas que cargamos a las espaldas se convierten en nuestra mayor fuente de autoridad, identidad y fuerza. Sobrevivir no es solo aguantar el golpe o quedarse en un rincón esperando, es resistir manteniendo intactos tus valores y tu identidad.

La tipografía contiene imágenes de una multitud. ¿Qué querías transmitir al meter cuerpos y rostros dentro de las letras?

El hecho de que las letras contengan a una multitud es una decisión conceptual directa, quiero transmitir que esta no es una causa aislada, sino una lucha colectiva. Al final, la lucha de los derechos del colectivo LGTBIQ+ nos apela a todos, todas y todxs.
Cada trazo/ letra se convierte en un reflejo de la comunidad, representando que la fuerza nace de la unión y de la diversidad. Es una forma de recordar, a través del diseño, que los avances reales y las revoluciones se construyen apoyándonos los unos a los unos y avanzando juntos.

En la pieza aparecen figuras de cuerpos en movimiento, casi como bailarines, acróbatas o personas cayendo y levantándose. ¿Qué papel tiene el cuerpo en este diseño?

Las ilustraciones de los cuerpos en movimiento, que casi parecen bailarines, están ahí para representar la libertad y la expresividad del colectivo. Con sus formas, busco transmitir esa sensación de paz, armonía y vitalidad que se siente cuando finalmente puedes ser tú mismo. En este diseño, el cuerpo tiene un protagonismo absoluto porque lo entiendo como el lienzo principal de nuestra identidad. A través de sus posturas y su fluidez, el diseño comunica una liberación real.

¿Dónde imaginas esta pieza: en redes, en una exposición, en un cartel de campaña, en una manifestación, en una publicación editorial?

Esta pieza está pensada desde el primer momento para ser totalmente versátil, funciona en la calle durante una manifestación, pero también en una exposición, galería o en redes sociales. Más allá de esto, el verdadero objetivo de este diseño es provocar un punto de inflexión en el público, que nos haga interiorizar que esta no es una causa ajena, sino un problema social que nos involucra a todos y todas. Es un recordatorio visual de que es imprescindible luchar en conjunto y seguir resistiendo, no solo para defender los derechos actuales, sino para asegurar el futuro de las próximas generaciones.

6. Pieza “Quisieron enterrarnos, pero no sabían que éramos cenizas”

La frase “Quisieron enterrarnos, pero no sabían que éramos cenizas” transforma una idea muy conocida de resistencia. ¿De dónde viene esta frase y por qué te parecía ideal para un cartel?

¨Quisieron enterrarnos, pero no sabían que éramos cenizas¨
Dicha frase viene de Audre Lorde, una escritora y activista afroamericana fundamental para el feminismo y el colectivo LGTBIQ+. Para ella, sobrevivir a un sistema que intenta borrarte o silenciarte era una victoria política absoluta.
Creo que es ideal para un cartel por tres razones: primero, porque aleja el discurso del rol de víctima y lo sitúa en el lugar del poder, el orgullo y la resiliencia.
Segundo, porque recuerda que la fuerza nace de la comunidad, de cuidarnos y de resistir juntas. Y tercero, porque a nivel gráfico tiene una fuerza brutal. Funciona como un grito visual, empodera a las personas que lo leen en la calle.

La pieza muestra retratos en blanco y negro con rostros parcialmente borrados o difuminados. ¿Qué querías decir con esa ocultación?

Los rostros de las mujeres borrados, difuminados y en blanco y negro es un homenaje a nuestra memoria histórica. Representan a todas aquellas mujeres gracias a las cuales hoy estamos aquí, todas las que el sistema patriarcal intentó invisibilizar, silenciar y borrar por el simple hecho de levantarse y alzar la voz.
Ese efecto denuncia cómo la historia las quiso ocultar y, al mismo tiempo, las convierte en una presencia colectiva. Es una forma de decir que, aunque intentaron borrarlas, sus huellas siguen aquí. Gracias a su resistencia, hoy nosotras tenemos la fuerza y el altavoz para seguir gritando por ellas, asegurándonos de que su lucha continúe.

El texto rojo escrito encima tiene una fuerza muy visceral, casi de urgencia. ¿Por qué decidiste intervenir la imagen de esa manera?

La colocación del texto en color rojo y con esa estética de alerta, casi agresiva, tiene doble intención.
Por un lado, es un recordatorio de que la violencia y la opresión machista son un problema real que ocurre las 24 horas del día, aunque a veces no lo percibamos de lo normalizado e interiorizado que lo tenemos en la sociedad.
Por otro lado, busco romper de raíz con los estereotipos de delicadeza, sumisión y fragilidad que históricamente se han asociado a las mujeres. No somos frágiles. El uso de ese tono y esa composición tan potentes es una forma de reivindicar nuestra fuerza real, nuestra rabia y nuestra capacidad de combatir.

¿Crees que esta imagen cuida de las personas representadas o busca incomodar a quien la mira?

Esta pieza está diseñada, ante todo, para transmitir valor, apoyo y fuerza a todas las personas que ponemos el cuerpo y luchamos día a día contra este gran problema social. Nace como un refugio visual y un impulso para la comunidad.
Soy consciente de que es una pieza potente y, si llega a incomodar a alguien, creo que esa incomodidad es necesaria ya que significa que el diseño está cumpliendo su función de espejo. Si el mensaje te interpela de forma negativa, tal vez es el momento de cuestionarte de qué lado de la lucha estás posicionado.

8. Recepción e impacto

¿Dónde crees que funcionarían mejor: redes sociales, espacio público, aula, exposición, campaña social, fanzine?

Siento que donde realmente funcionarían mejor, es la calle.
Por un lado, el primer diseño tiene una esencia perfecta para el entorno urbano gracias a su claridad, sus colores, el dinamismo del movimiento y sus detalles, tiene la fuerza necesaria para captar la atención del peatón en medio del día a día.
Por otro lado, la segunda pieza necesita la calle precisamente por esa estética tan directa y ¨agresiva¨. El entorno urbano es el escenario donde los mensajes potentes cobran verdadero sentido, y esa gráfica más incómoda funciona como un impacto visual inevitable para quien pasa por delante.

¿Qué sería para ti un buen impacto: muchos compartidos, una conversación incómoda, que alguien se sienta representado, que alguien cambie su mirada?

Para mí, el verdadero impacto de una pieza no se mide en la cantidad de likes o en el número de compartidos, sino en la calidad de la interacción que genera. Busco crear un diseño que abra debates, que genere cierta controversia y, sobre todo, que incite a la reflexión. De nada me sirve que un proyecto se vuelva viral si no ha provocado ninguna respuesta emocional o intelectual en el público, si la gente lo comparte de forma automática solo por el diseño visual o por sumarse a una tendencia. El éxito, para mí, es conseguir que alguien se detenga, piense, se cuestione algo y cambie su perspectiva.

9. Futuro y aspiraciones

Después de trabajar estas piezas, ¿te interesa seguir explorando el diseño como herramienta de transformación social?

Por supuesto, me encantaría seguir utilizando el diseño como una herramienta de transformación social, para mí, esa es una de las vertientes más valiosas, honestas e importantes de nuestra profesión.
Creo firmemente que el diseño tiene un poder enorme para dar voz a realidades que muchas veces se intentan silenciar y para conectar con la sensibilidad de las personas desde la empatía.

10. Reflexiones finales

De estas dos piezas, ¿cuál sientes más cercana a ti y por qué?

De estas dos piezas, aunque ambas me tocan de lleno y nacen de un lugar muy íntimo y personal, la que más me llena haber creado, la que mejor representa mi voz y mi estilo, y con la que conecto de manera más profunda es la segunda: ‘Cenizas del futuro’.
Esta elección responde tanto a vivencias personales como a la realidad de tener que convivir e intentar luchar día a día en una sociedad que, lamentablemente, sigue estructurada desde el machismo. Para mí, este proyecto es un reflejo de mi propia resistencia y una canalización de esa rabia y esa fuerza.

¿Qué le dirías a alguien que piensa que el diseño no sirve para cambiar nada?

Le diría que el diseño nunca es neutral, o perpetúa las cosas como están o ayuda a transformarlas. Quien piensa que el diseño no cambia nada, olvida que las grandes revoluciones, las luchas por los derechos civiles y los movimientos sociales de la historia siempre han necesitado símbolos, carteles y un lenguaje visual para unir a las personas, propagar ideas y ocupar el espacio público.
El diseño no es solo hacer que algo se vea bonito, es dar forma a cómo nos comunicamos, cómo nos sentimos y cómo entendemos el mundo. Un buen diseño tiene la capacidad de incomodar al poder, de visibilizar lo que el sistema intenta borrar y de generar conversaciones.

En Diseño Social hemos tenido la oportunidad de acompañar durante sus prácticas a Irene Díaz Martín, estudiante de Artes Gráficas del IES Puerta Bonita. Su paso por el estudio nos ha permitido conocer de cerca la mirada de una joven diseñadora que entiende la imagen como algo más que una herramienta estética: para ella, el diseño también puede abrir preguntas, visibilizar problemas sociales y provocar una reflexión crítica.

A lo largo de esta entrevista, Irene comparte cómo ha ido construyendo su lenguaje visual, marcado por el uso de colores intensos, mensajes directos, ilustración y referencias procedentes del manga, el anime, los videojuegos, el cartel reivindicativo y la cultura visual contemporánea. También habla de la responsabilidad que siente al trabajar temas sensibles y de la importancia de investigar, cuidar el mensaje y pensar en las personas que pueden verse representadas o interpeladas por una pieza gráfica.

Sus carteles abordan cuestiones como el acceso a la vivienda, la memoria de las mujeres asesinadas por violencia machista, la defensa de la vida vivida con libertad y la denuncia del maltrato animal. Cada pieza refleja una forma de entender el diseño como un lenguaje capaz de emocionar, incomodar, cuidar, denunciar y movilizar.

Esta conversación es también una invitación a escuchar la voz de una nueva generación de creadoras que no separa la creatividad de la conciencia social. Una generación que diseña desde los códigos visuales de su tiempo, pero también desde la necesidad de mirar el mundo con empatía, sentido crítico y voluntad de transformación.

1. Quién eres y desde dónde diseñas 

Para empezar, ¿Quién eres? ¿Cómo te presentarías más allá de decir tu nombre y lo que estudias? 

Soy Irene, me considero una persona creativa y curiosa. Me gusta observar cómo las imágenes, los colores y los mensajes cambian nuestra percepción del mundo. 

Me apasiona el dibujo y la ilustración, pero sobre todo, disfruto aprender cosas nuevas y nuevas técnicas para expresarme con el diseño. 

¿Por qué elegiste estudiar diseño? ¿Fue una decisión vocacional, intuitiva, práctica, familiar, inesperada? 

Fue una decisión vocacional, desde pequeña, me encantaba dibujar y crear cosas. Me gustaba encontrar formas de expresar mis ideas de una manera diferente y fuera de los estándares. 

¿Qué tipo de diseñadora estás descubriendo que quieres ser?

Quiero ser una diseñadora que con la ilustración pueda hacer imágenes divertidas, y estéticamente bonitas, pero también quiero que mis imágenes e ilustraciones hablen de los problemas sociales desde una posición directa. 

¿Qué te interesa más de una pieza visual: su belleza, su fuerza, su claridad, su capacidad de emocionar o su capacidad de incomodar? Lo que realmente me llama la atención es la capacidad que tiene algo para hacerte sentir cosas y para que reacciones de alguna manera ya sea emoción o incomodidad. 

2. El diseño como lenguaje social 

Se suele decir que el diseño “comunica”, pero comunicar puede significar muchas cosas. Para ti, ¿Qué puede hacer realmente el diseño?

Para mí el diseño puede hacer más que simplemente ser una imagen bonita. 

Puede hacer que pensemos en cosas que no conocemos, que nos haga ver las cosas desde otro punto de vista y ayudar a que la gente sepa de temas importantes de una manera que sea fácil de entender y que sea bonita de ver. 

Cuando trabajas temas sensibles, ¿Qué responsabilidad sientes como diseñadora? 

Siento que es muy importante informarme bien sobre los temas. 

Cuando trabajo con situaciones que afectan a personas o grupos, pienso que es clave hacerlo con empatía. 

¿Puede una imagen cambiar una opinión o, al menos, abrir una grieta en una certeza? 

Sí, creo que una imagen puede hacer que alguien se detenga a pensar. 

Quizás no cambie la opinión de alguien de inmediato, pero puede hacer que se pregunte cosas, generar curiosidad o mostrar una forma de ver las cosas de manera diferente. 

A veces, solo el hecho de cuestionar algo es un gran cambio. 

Me interesa mucho esta idea: el diseño puede incomodar, cuidar, denunciar y movilizar. ¿Con cuál de esos verbos te identificas más cuando diseñas? 

Probablemente me identifico más con denunciar y movilizar. 

Me interesa especialmente el diseño que visibiliza problemas sociales y que invita a reflexionar y poder actuar. 

3. Inspiraciones y referentes 

¿Qué diseñadoras, ilustradoras, artistas, colectivos o campañas te han inspirado? 

Principalmente me gusta mucho la cultura del manga, anime, videojuegos etc.. 

Por lo que artísticamente me han inspirado a lo largo de mi vida Atsushi Ōkubo (Soul eater), Ari Gibson (Hollow Knight), Gorillaz, Hirohiko Araki (Jojo´s), Ai Yazawa (Nana) etc… 

Estas personas han estado a lo largo de mi vida y me han acompañado tanto con su escritura, como su arte lo cual para mi es muy importante y han dado lugar a mi estilo de diseño y dibujo a día de hoy. 

¿Crees que tu generación tiene una forma distinta de comunicar las causas sociales? 

Sí, creo que mi generación ha aprendido a comunicarse de una forma más visual, rápida y directa. 

Estamos acostumbrados a vivir con las redes sociales y con mucha información, por lo que tratamos de enviar mensajes que atraigan la atención de inmediato sin dejar de ser profundos. 

En tus carteles hay colores intensos, tipografías grandes, estrellas, contrastes fuertes y mensajes muy directos. ¿Cómo llegaste a ese lenguaje visual? 

Ese lenguaje visual surgió de forma bastante natural, en mis ilustraciones me gusta el uso de colores saturados y el uso de los elementos como las estrellas ya que siento que son un símbolo de mi identidad como diseñadora e ilustradora. 

¿Buscabas una estética de cartel reivindicativo, de cultura urbana, de fanzine, de campaña social o de algo más híbrido? 

Diría que busco algo intermedio, me gusta sacar ideas del cartel de protesta, porque es muy directo, y también de la cultura visual actual, mezclándolo con la ilustración, porque ofrecen mucha libertad creativa. 

Mi objetivo es que mis diseños tengan un equilibrio entre un impacto visual fuerte y un mensaje claro. 

4. Cómo nace una pieza de diseño social 

En esta serie, ¿Qué vino antes: las causas que querías tratar o el estilo visual que querías explorar? 

En este proyecto, las causas fueron lo primero, el objetivo era hablar sobre diferentes temas sociales y enviar un mensaje que me preocupan tanto a mí como ciudadana como a la mayoría de la población. 

¿Cómo investigaste cada tema antes de convertirlo en imagen?

Lo primero que hice fue buscar información sobre cada tema, quería entender más en profundidad a parte de lo que ya sabía y asegurarme de que el mensaje fuera correcto. 

Busqué en artículos y consulté datos. También busqué referencias visuales relacionadas con cada causa. 

¿Hubo algún cartel que cambiara mucho desde la primera idea hasta el resultado final? 

Sí, varios cambiaron mucho durante el proceso, sobre todo el que más cambió fue el de “Es un derecho, no un negocio” ya que tenía en principio la idea de una ilustración y con colores más neutros pero por temas de conocimientos decidí usar imágenes y colores mucho más vivos para llamar más la atención del espectador. 

¿Qué tipo de crítica te ayuda más a mejorar: la técnica, la conceptual, la emocional o la que viene de alguien ajeno al diseño? 

Creo que todas aportan algo diferente, pero valoro especialmente la crítica conceptual y la de personas ajenas al diseño. 

Me ayuda a comprobar si el mensaje funciona realmente, mientras que alguien que no tiene conocimientos de diseño puede decirte si la idea se entiende a primera vista, que al final es una de las cosas más importantes. 

5. Cartel sobre vivienda: “Es un derecho, no un negocio” 

En el cartel de vivienda eliges una frase muy clara: “Es un derecho, no un negocio”. ¿Por qué quisiste formularlo de forma tan directa?

Quería decirlo de manera directa porque el problema de la vivienda es algo que afecta a mucha gente en España. 

Me parecía importante que el mensaje fuera fácil de entender desde el principioy no dar lugar a segundos significados. 

¿Pensaste este cartel desde la experiencia de una generación joven que tiene cada vez más difícil acceder a una vivienda? 

En parte sí, aunque también es un problema que afecta a personas de diferentes edades, es difícil no pensar en mi generación cuando se habla de vivienda. 

Muchas personas jóvenes se encuentran con dificultades para independizarse, acceder a un alquiler o plantearse comprar una vivienda. 

¿Qué te interesaba más denunciar: la especulación, la dificultad para emanciparse, la desigualdad urbana, la pérdida de la idea de hogar?

Creo que todos esos aspectos están relacionados, pero si tuviera que elegir uno, sería la idea de que la vivienda se está alejando de su función principal la especulación. 

A partir de ahí surgen muchas otras consecuencias, como la dificultad para que muchas personas puedan construir un proyecto de vida propio. 

¿Qué querías que sintiera alguien al verlo: rabia, identificación, urgencia, cansancio, deseo de reclamar algo justo? 

Me gustaría que sintiera identificación y reflexión, y que a partir de ahí surgiera cierta sensación de urgencia. 

No busco provocar enfado por sí mismo, sino invitar a la gente a pensar sobre una situación que se está normalizando. Si después de verlo alguien se plantea que el acceso a la vivienda debería ser más justo, entonces pienso que el cartel ha cumplido su función. 

6. Cartel sobre memoria: “Por las que ya no están” 

Este cartel tiene una carga emocional muy fuerte. ¿Desde dónde lo trabajaste? 

Lo trabajé desde la reflexión y el respeto hacia una realidad que sigue afectando a muchas mujeres. 

Quería crear una pieza que invitara a recordar y a no olvidar esas mujeres que ya no están, poniendo el foco en la memoria colectiva y en la importancia de seguir hablando de esta situación para que estas mujeres asesinadas no queden en el olvido. 

La frase “Por las que ya no están” puede leerse desde la memoria, el duelo, la violencia o la ausencia. ¿Qué querías activar en quien mira la imagen? 

Precisamente me interesaba que la frase pudiera interpretarse desde varias emociones. 

Quería que quien la viera se detuviera un momento a pensar en todas esas mujeres asesinadas y que cada vez son más. 

Busco generar empatía, memoria y una reflexión sobre las mujeres que ya no pueden contar su propia historia. 

Los rostros están cubiertos por estrellas. ¿Querías proteger, simbolizar, denunciar, universalizar o hablar de una ausencia? 

Las estrellas funcionan principalmente como un símbolo, al ocultar los rostros de estas mujeres, la imagen deja de centrarse en una identidad individual y pasa a representar a muchas mujeres al mismo tiempo. 

El cartel mezcla repetición, anonimato y presencia. Aunque no vemos los rostros, sentimos que están ahí. ¿Era esa una intención?

Sí, totalmente, me interesaba transmitir esa sensación de presencia a través de la ausencia. Aunque los rostros no sean visibles, siguen ocupando espacio en la composición y nos recuerdan que detrás de cada caso hubo una vida y una historia. 

La repetición también ayuda a mostrar que no se trata de una situación aislada, sino de una realidad que afecta a muchas mujeres y que merece ser hablada. 

7. Cartel vitalista: “Que nadie te quite lo bailao” 

Este cartel cambia de tono: es más luminoso, más alegre, incluso más lúdico. ¿Por qué decidiste incluirlo en una serie de sensibilización?

Precisamente porque creo que la sensibilización no siempre tiene que construirse desde la denuncia o la preocupación. 

También puede hacerse desde mensajes positivos que inviten a valorar la vida, los recuerdos y las experiencias. 

¿Qué significa para ti la frase “Que nadie te quite lo bailao”?

Para mí significa valorar lo vivido y sentirse orgulloso de las experiencias que forman parte de nuestra historia. 

Es una frase que para mi habla de disfrutar, de ser uno mismo y de que nadie te diga el como tienes que vivir tu vida. 

Los esqueletos bailando transmiten alegría, pero también nos recuerdan la fragilidad de la vida. ¿Querías jugar con ese contraste?

No, esa no era mi idea principal, los esqueletos los puse debido a que actualmente buscamos el sentirnos representados en los medios que consumimos. 

Por lo cual para mí una opción de que todo el mundo se puede sentir identificado y representado decidí hacer a los esqueletos ya que todos por dentro somos iguales. 

¿Esta pieza busca movilizar desde la ternura, desde el humor o desde la afirmación de la vida? 

Creo que principalmente desde la afirmación de la vida y el vivirla como uno quiera. 

La intención era transmitir un mensaje optimista que invitara a disfrutar del presente, a expresarse libremente y a no dejar que el miedo o las opiniones ajenas nos impidan vivir experiencias que nos hacen felices. 

8. Cartel antitaurino: “No es cultura, es maltrato” 

En este cartel no hay ambigüedad: “No es cultura, es maltrato”. ¿Por qué elegiste un mensaje tan frontal? 

Elegí un mensaje tan directo porque quería que la postura del cartel se entendiera de forma inmediata. 

Al tratarse de una pieza de sensibilización, me interesaba plantear una reflexión clara sobre el sufrimiento animal y cuestionar la normalización de estas prácticas en España. 

El toro aparece con una expresión vulnerable y una estrella en el rostro. ¿Qué querías provocar: empatía, incomodidad, rechazo, tristeza?

Principalmente empatía, tristeza y enfado, me basé en el cuadro de el “El ángel caído” del la artista Alexandre Cabanel. 

Muchas veces los debates sobre la tauromaquia se centran en la tradición o el espectáculo, y me interesaba desplazar la atención hacia el animal. 

La expresión vulnerable busca recordar que detrás de la discusión hay un ser vivo que experimenta dolor y sufrimiento. 

Si además la imagen genera cierta incomodidad o reflexión, también cumple su función. 

¿Por qué decidiste usar ilustración en lugar de una imagen más realista o explícita? 

La ilustración me permitía abordar el tema desde una perspectiva más accesible. No quería recurrir a imágenes explícitas que pudieran provocar rechazo inmediato o que eclipsaran el mensaje. 

¿Qué papel puede tener el diseño en debates donde se mezclan tradición, identidad, cultura y sufrimiento animal? 

Creo que el diseño puede ayudar a abrir espacios de reflexión y diálogo, no tiene por qué ofrecer respuestas definitivas, pero sí puede plantear preguntas, visibilizar otras perspectivas y hacer que las personas se detengan a pensar. 

9. Recepción, impacto y circulación 

¿Has enseñado estos carteles a otras personas? ¿Qué reacciones te han llegado? 

Sí, he compartido los carteles con compañeros y personas cercanas durante el proceso. 

Las reacciones han sido bastante positivas, pero algo que se repetía bastante era que los mensajes se entendían de forma rápida y que las imágenes invitaban a detenerse un momento para reflexionar y que artisticamente les llamaba bastante la atención. 

¿Algún cartel generó más conversación que los demás? 

Sí, especialmente los relacionados con la vivienda y la tauromaquia. 

Son temas que suelen generar opiniones diversas y debates más visibles, por lo que las personas tendían a comentar más sus mensajes y compartir sus puntos de vista. 

Además fue con los que mejor me lo pase en todo el proceso de elaboración. 

¿Qué cambia cuando una imagen pensada para sensibilizar circula en redes, donde todo se consume tan rápido? 

Creo que el principal reto es captar la atención en muy pocos segundos, en redes sociales las imágenes compiten constantemente con una enorme cantidad de contenido, por lo que el mensaje debe ser claro y visualmente atractivo desde el primer vistazo. 

Existe el riesgo de que se consuman de forma superficial, por lo que es importante encontrar un equilibrio entre impacto visual y profundidad conceptual. 

¿Crees que una pieza gráfica puede movilizar por sí sola o necesita formar parte de una estrategia más amplia? 

Una pieza gráfica puede generar interés, reflexión o incluso una reacción emocional, pero normalmente alcanza más impacto cuando forma parte de una estrategia más amplia. 

Aun así, creo que una sola imagen también puede quedarse en la memoria de alguien y ser el comienzo de una reflexión importante. 

10. Futuro y aspiraciones 

Después de esta experiencia, ¿te interesa seguir explorando el diseño como herramienta de transformación social? 

Sí, sin duda. Esta experiencia me ha hecho comprender mejor el potencial que tiene el diseño. 

Me gustaría seguir explorando proyectos que tengan un impacto más allá de lo estético, pero sin dejar de cuidar la imagen. 

¿Te ves más cerca del diseño gráfico, la ilustración, la dirección de arte, la comunicación social, la cultura visual o una mezcla de todo?

Ahora mismo me veo en una mezcla de varias disciplinas, Me gusta mucho el diseño gráfico y la ilustración porque me permiten construir mensajes visuales desde cero, pero también me interesa la comunicación social y la capacidad que tiene el diseño para conectar con diferentes públicos. 

¿Qué tipo de proyectos te gustaría tener en tu portfolio dentro de unos años? 

Me gustaría contar con proyectos variados, pero especialmente con trabajos relacionados con campañas sociales, culturales o educativas. 

También me gustaría seguir desarrollando proyectos donde la ilustración tenga un papel importante y donde pueda combinar creatividad, investigación y comunicación visual. 

Me ilusiona pensar en un portfolio que refleje tanto mi evolución técnica como visual. 

¿Qué crees que puede aportar una mirada joven al diseño social?

Creo que una mirada joven puede aportar nuevas formas de comunicar, una mayor cercanía a los lenguajes visuales contemporáneos y una sensibilidad hacia temas que afectan a nuestra generación. 

También puede contribuir a hacer que determinados mensajes lleguen a públicos más amplios a través de formatos y códigos visuales que forman parte de nuestra vida cotidiana. Más que sustituir otras perspectivas, pienso que las complementa y enriquece. 

11. Reflexiones finales

De todos estos carteles, ¿cuál sientes más cercano a ti y por qué?

Probablemente el cartel “No es cultura es maltrato”. Aunque todos abordan temas que considero importantes, este tiene un mensaje especialmente cercano para mí porque habla del maltrato animal. 

Una cultura que aunque se practique en un país como España me parece que este tipo de entretenimiento no debería de tener cavidad en ningún lado y debería de ser denunciado públicamente ya que el entretenimiento no debería de ser a costa de el maltrato a un animal inocente. 

¿Cuál te costó más defender, resolver o cerrar? 

Creo que el que más me costó fue el de “Por las que ya no están”, es un tema muy sensible y quería encontrar una forma de representarlo con respeto, evitando caer en imágenes demasiado explícitas o simplificaciones. 

Fue una de las piezas en las que más tiempo dediqué a pensar cómo transmitir emociones a través de una imagen 

¿Qué le dirías a alguien que piensa que el diseño no sirve para cambiar nada? 

Le diría que quizá una pieza de diseño no cambia el mundo por sí sola, pero sí puede cambiar la forma en que una persona mira una realidad. 

El diseño está presente en cómo nos informamos, cómo aprendemos y cómo entendemos determinados temas. 

Para terminar: después de hacer estos carteles, ¿crees que el diseño debe dar respuestas o más bien invitar a repensar las preguntas?

Creo que puede hacer ambas cosas, pero personalmente me interesa más cuando invita a repensar las preguntas. 

Muchas veces los temas sociales no tienen respuestas simples, y el diseño puede ser una herramienta para abrir conversaciones, cuestionar ideas y animar a mirar una realidad desde otra perspectiva.