En Diseño Social hemos tenido la oportunidad de acompañar durante sus prácticas a Irene Díaz Martín, estudiante de Artes Gráficas del IES Puerta Bonita. Su paso por el estudio nos ha permitido conocer de cerca la mirada de una joven diseñadora que entiende la imagen como algo más que una herramienta estética: para ella, el diseño también puede abrir preguntas, visibilizar problemas sociales y provocar una reflexión crítica.
A lo largo de esta entrevista, Irene comparte cómo ha ido construyendo su lenguaje visual, marcado por el uso de colores intensos, mensajes directos, ilustración y referencias procedentes del manga, el anime, los videojuegos, el cartel reivindicativo y la cultura visual contemporánea. También habla de la responsabilidad que siente al trabajar temas sensibles y de la importancia de investigar, cuidar el mensaje y pensar en las personas que pueden verse representadas o interpeladas por una pieza gráfica.
Sus carteles abordan cuestiones como el acceso a la vivienda, la memoria de las mujeres asesinadas por violencia machista, la defensa de la vida vivida con libertad y la denuncia del maltrato animal. Cada pieza refleja una forma de entender el diseño como un lenguaje capaz de emocionar, incomodar, cuidar, denunciar y movilizar.
Esta conversación es también una invitación a escuchar la voz de una nueva generación de creadoras que no separa la creatividad de la conciencia social. Una generación que diseña desde los códigos visuales de su tiempo, pero también desde la necesidad de mirar el mundo con empatía, sentido crítico y voluntad de transformación.
1. Quién eres y desde dónde diseñas
Para empezar, ¿Quién eres? ¿Cómo te presentarías más allá de decir tu nombre y lo que estudias?
Soy Irene, me considero una persona creativa y curiosa. Me gusta observar cómo las imágenes, los colores y los mensajes cambian nuestra percepción del mundo.
Me apasiona el dibujo y la ilustración, pero sobre todo, disfruto aprender cosas nuevas y nuevas técnicas para expresarme con el diseño.
¿Por qué elegiste estudiar diseño? ¿Fue una decisión vocacional, intuitiva, práctica, familiar, inesperada?
Fue una decisión vocacional, desde pequeña, me encantaba dibujar y crear cosas. Me gustaba encontrar formas de expresar mis ideas de una manera diferente y fuera de los estándares.
¿Qué tipo de diseñadora estás descubriendo que quieres ser?
Quiero ser una diseñadora que con la ilustración pueda hacer imágenes divertidas, y estéticamente bonitas, pero también quiero que mis imágenes e ilustraciones hablen de los problemas sociales desde una posición directa.
¿Qué te interesa más de una pieza visual: su belleza, su fuerza, su claridad, su capacidad de emocionar o su capacidad de incomodar? Lo que realmente me llama la atención es la capacidad que tiene algo para hacerte sentir cosas y para que reacciones de alguna manera ya sea emoción o incomodidad.
2. El diseño como lenguaje social
Se suele decir que el diseño “comunica”, pero comunicar puede significar muchas cosas. Para ti, ¿Qué puede hacer realmente el diseño?
Para mí el diseño puede hacer más que simplemente ser una imagen bonita.
Puede hacer que pensemos en cosas que no conocemos, que nos haga ver las cosas desde otro punto de vista y ayudar a que la gente sepa de temas importantes de una manera que sea fácil de entender y que sea bonita de ver.
Cuando trabajas temas sensibles, ¿Qué responsabilidad sientes como diseñadora?
Siento que es muy importante informarme bien sobre los temas.
Cuando trabajo con situaciones que afectan a personas o grupos, pienso que es clave hacerlo con empatía.
¿Puede una imagen cambiar una opinión o, al menos, abrir una grieta en una certeza?
Sí, creo que una imagen puede hacer que alguien se detenga a pensar.
Quizás no cambie la opinión de alguien de inmediato, pero puede hacer que se pregunte cosas, generar curiosidad o mostrar una forma de ver las cosas de manera diferente.
A veces, solo el hecho de cuestionar algo es un gran cambio.
Me interesa mucho esta idea: el diseño puede incomodar, cuidar, denunciar y movilizar. ¿Con cuál de esos verbos te identificas más cuando diseñas?
Probablemente me identifico más con denunciar y movilizar.
Me interesa especialmente el diseño que visibiliza problemas sociales y que invita a reflexionar y poder actuar.
3. Inspiraciones y referentes
¿Qué diseñadoras, ilustradoras, artistas, colectivos o campañas te han inspirado?
Principalmente me gusta mucho la cultura del manga, anime, videojuegos etc..
Por lo que artísticamente me han inspirado a lo largo de mi vida Atsushi Ōkubo (Soul eater), Ari Gibson (Hollow Knight), Gorillaz, Hirohiko Araki (Jojo´s), Ai Yazawa (Nana) etc…
Estas personas han estado a lo largo de mi vida y me han acompañado tanto con su escritura, como su arte lo cual para mi es muy importante y han dado lugar a mi estilo de diseño y dibujo a día de hoy.
¿Crees que tu generación tiene una forma distinta de comunicar las causas sociales?
Sí, creo que mi generación ha aprendido a comunicarse de una forma más visual, rápida y directa.
Estamos acostumbrados a vivir con las redes sociales y con mucha información, por lo que tratamos de enviar mensajes que atraigan la atención de inmediato sin dejar de ser profundos.
En tus carteles hay colores intensos, tipografías grandes, estrellas, contrastes fuertes y mensajes muy directos. ¿Cómo llegaste a ese lenguaje visual?
Ese lenguaje visual surgió de forma bastante natural, en mis ilustraciones me gusta el uso de colores saturados y el uso de los elementos como las estrellas ya que siento que son un símbolo de mi identidad como diseñadora e ilustradora.
¿Buscabas una estética de cartel reivindicativo, de cultura urbana, de fanzine, de campaña social o de algo más híbrido?
Diría que busco algo intermedio, me gusta sacar ideas del cartel de protesta, porque es muy directo, y también de la cultura visual actual, mezclándolo con la ilustración, porque ofrecen mucha libertad creativa.
Mi objetivo es que mis diseños tengan un equilibrio entre un impacto visual fuerte y un mensaje claro.
4. Cómo nace una pieza de diseño social
En esta serie, ¿Qué vino antes: las causas que querías tratar o el estilo visual que querías explorar?
En este proyecto, las causas fueron lo primero, el objetivo era hablar sobre diferentes temas sociales y enviar un mensaje que me preocupan tanto a mí como ciudadana como a la mayoría de la población.
¿Cómo investigaste cada tema antes de convertirlo en imagen?
Lo primero que hice fue buscar información sobre cada tema, quería entender más en profundidad a parte de lo que ya sabía y asegurarme de que el mensaje fuera correcto.
Busqué en artículos y consulté datos. También busqué referencias visuales relacionadas con cada causa.
¿Hubo algún cartel que cambiara mucho desde la primera idea hasta el resultado final?
Sí, varios cambiaron mucho durante el proceso, sobre todo el que más cambió fue el de “Es un derecho, no un negocio” ya que tenía en principio la idea de una ilustración y con colores más neutros pero por temas de conocimientos decidí usar imágenes y colores mucho más vivos para llamar más la atención del espectador.
¿Qué tipo de crítica te ayuda más a mejorar: la técnica, la conceptual, la emocional o la que viene de alguien ajeno al diseño?
Creo que todas aportan algo diferente, pero valoro especialmente la crítica conceptual y la de personas ajenas al diseño.
Me ayuda a comprobar si el mensaje funciona realmente, mientras que alguien que no tiene conocimientos de diseño puede decirte si la idea se entiende a primera vista, que al final es una de las cosas más importantes.
5. Cartel sobre vivienda: “Es un derecho, no un negocio”
En el cartel de vivienda eliges una frase muy clara: “Es un derecho, no un negocio”. ¿Por qué quisiste formularlo de forma tan directa?
Quería decirlo de manera directa porque el problema de la vivienda es algo que afecta a mucha gente en España.
Me parecía importante que el mensaje fuera fácil de entender desde el principioy no dar lugar a segundos significados.
¿Pensaste este cartel desde la experiencia de una generación joven que tiene cada vez más difícil acceder a una vivienda?
En parte sí, aunque también es un problema que afecta a personas de diferentes edades, es difícil no pensar en mi generación cuando se habla de vivienda.
Muchas personas jóvenes se encuentran con dificultades para independizarse, acceder a un alquiler o plantearse comprar una vivienda.
¿Qué te interesaba más denunciar: la especulación, la dificultad para emanciparse, la desigualdad urbana, la pérdida de la idea de hogar?
Creo que todos esos aspectos están relacionados, pero si tuviera que elegir uno, sería la idea de que la vivienda se está alejando de su función principal la especulación.
A partir de ahí surgen muchas otras consecuencias, como la dificultad para que muchas personas puedan construir un proyecto de vida propio.
¿Qué querías que sintiera alguien al verlo: rabia, identificación, urgencia, cansancio, deseo de reclamar algo justo?
Me gustaría que sintiera identificación y reflexión, y que a partir de ahí surgiera cierta sensación de urgencia.
No busco provocar enfado por sí mismo, sino invitar a la gente a pensar sobre una situación que se está normalizando. Si después de verlo alguien se plantea que el acceso a la vivienda debería ser más justo, entonces pienso que el cartel ha cumplido su función.
6. Cartel sobre memoria: “Por las que ya no están”
Este cartel tiene una carga emocional muy fuerte. ¿Desde dónde lo trabajaste?
Lo trabajé desde la reflexión y el respeto hacia una realidad que sigue afectando a muchas mujeres.
Quería crear una pieza que invitara a recordar y a no olvidar esas mujeres que ya no están, poniendo el foco en la memoria colectiva y en la importancia de seguir hablando de esta situación para que estas mujeres asesinadas no queden en el olvido.
La frase “Por las que ya no están” puede leerse desde la memoria, el duelo, la violencia o la ausencia. ¿Qué querías activar en quien mira la imagen?
Precisamente me interesaba que la frase pudiera interpretarse desde varias emociones.
Quería que quien la viera se detuviera un momento a pensar en todas esas mujeres asesinadas y que cada vez son más.
Busco generar empatía, memoria y una reflexión sobre las mujeres que ya no pueden contar su propia historia.
Los rostros están cubiertos por estrellas. ¿Querías proteger, simbolizar, denunciar, universalizar o hablar de una ausencia?
Las estrellas funcionan principalmente como un símbolo, al ocultar los rostros de estas mujeres, la imagen deja de centrarse en una identidad individual y pasa a representar a muchas mujeres al mismo tiempo.
El cartel mezcla repetición, anonimato y presencia. Aunque no vemos los rostros, sentimos que están ahí. ¿Era esa una intención?
Sí, totalmente, me interesaba transmitir esa sensación de presencia a través de la ausencia. Aunque los rostros no sean visibles, siguen ocupando espacio en la composición y nos recuerdan que detrás de cada caso hubo una vida y una historia.
La repetición también ayuda a mostrar que no se trata de una situación aislada, sino de una realidad que afecta a muchas mujeres y que merece ser hablada.
7. Cartel vitalista: “Que nadie te quite lo bailao”
Este cartel cambia de tono: es más luminoso, más alegre, incluso más lúdico. ¿Por qué decidiste incluirlo en una serie de sensibilización?
Precisamente porque creo que la sensibilización no siempre tiene que construirse desde la denuncia o la preocupación.
También puede hacerse desde mensajes positivos que inviten a valorar la vida, los recuerdos y las experiencias.
¿Qué significa para ti la frase “Que nadie te quite lo bailao”?
Para mí significa valorar lo vivido y sentirse orgulloso de las experiencias que forman parte de nuestra historia.
Es una frase que para mi habla de disfrutar, de ser uno mismo y de que nadie te diga el como tienes que vivir tu vida.
Los esqueletos bailando transmiten alegría, pero también nos recuerdan la fragilidad de la vida. ¿Querías jugar con ese contraste?
No, esa no era mi idea principal, los esqueletos los puse debido a que actualmente buscamos el sentirnos representados en los medios que consumimos.
Por lo cual para mí una opción de que todo el mundo se puede sentir identificado y representado decidí hacer a los esqueletos ya que todos por dentro somos iguales.
¿Esta pieza busca movilizar desde la ternura, desde el humor o desde la afirmación de la vida?
Creo que principalmente desde la afirmación de la vida y el vivirla como uno quiera.
La intención era transmitir un mensaje optimista que invitara a disfrutar del presente, a expresarse libremente y a no dejar que el miedo o las opiniones ajenas nos impidan vivir experiencias que nos hacen felices.
8. Cartel antitaurino: “No es cultura, es maltrato”
En este cartel no hay ambigüedad: “No es cultura, es maltrato”. ¿Por qué elegiste un mensaje tan frontal?
Elegí un mensaje tan directo porque quería que la postura del cartel se entendiera de forma inmediata.
Al tratarse de una pieza de sensibilización, me interesaba plantear una reflexión clara sobre el sufrimiento animal y cuestionar la normalización de estas prácticas en España.
El toro aparece con una expresión vulnerable y una estrella en el rostro. ¿Qué querías provocar: empatía, incomodidad, rechazo, tristeza?
Principalmente empatía, tristeza y enfado, me basé en el cuadro de el “El ángel caído” del la artista Alexandre Cabanel.
Muchas veces los debates sobre la tauromaquia se centran en la tradición o el espectáculo, y me interesaba desplazar la atención hacia el animal.
La expresión vulnerable busca recordar que detrás de la discusión hay un ser vivo que experimenta dolor y sufrimiento.
Si además la imagen genera cierta incomodidad o reflexión, también cumple su función.
¿Por qué decidiste usar ilustración en lugar de una imagen más realista o explícita?
La ilustración me permitía abordar el tema desde una perspectiva más accesible. No quería recurrir a imágenes explícitas que pudieran provocar rechazo inmediato o que eclipsaran el mensaje.
¿Qué papel puede tener el diseño en debates donde se mezclan tradición, identidad, cultura y sufrimiento animal?
Creo que el diseño puede ayudar a abrir espacios de reflexión y diálogo, no tiene por qué ofrecer respuestas definitivas, pero sí puede plantear preguntas, visibilizar otras perspectivas y hacer que las personas se detengan a pensar.
9. Recepción, impacto y circulación
¿Has enseñado estos carteles a otras personas? ¿Qué reacciones te han llegado?
Sí, he compartido los carteles con compañeros y personas cercanas durante el proceso.
Las reacciones han sido bastante positivas, pero algo que se repetía bastante era que los mensajes se entendían de forma rápida y que las imágenes invitaban a detenerse un momento para reflexionar y que artisticamente les llamaba bastante la atención.
¿Algún cartel generó más conversación que los demás?
Sí, especialmente los relacionados con la vivienda y la tauromaquia.
Son temas que suelen generar opiniones diversas y debates más visibles, por lo que las personas tendían a comentar más sus mensajes y compartir sus puntos de vista.
Además fue con los que mejor me lo pase en todo el proceso de elaboración.
¿Qué cambia cuando una imagen pensada para sensibilizar circula en redes, donde todo se consume tan rápido?
Creo que el principal reto es captar la atención en muy pocos segundos, en redes sociales las imágenes compiten constantemente con una enorme cantidad de contenido, por lo que el mensaje debe ser claro y visualmente atractivo desde el primer vistazo.
Existe el riesgo de que se consuman de forma superficial, por lo que es importante encontrar un equilibrio entre impacto visual y profundidad conceptual.
¿Crees que una pieza gráfica puede movilizar por sí sola o necesita formar parte de una estrategia más amplia?
Una pieza gráfica puede generar interés, reflexión o incluso una reacción emocional, pero normalmente alcanza más impacto cuando forma parte de una estrategia más amplia.
Aun así, creo que una sola imagen también puede quedarse en la memoria de alguien y ser el comienzo de una reflexión importante.
10. Futuro y aspiraciones
Después de esta experiencia, ¿te interesa seguir explorando el diseño como herramienta de transformación social?
Sí, sin duda. Esta experiencia me ha hecho comprender mejor el potencial que tiene el diseño.
Me gustaría seguir explorando proyectos que tengan un impacto más allá de lo estético, pero sin dejar de cuidar la imagen.
¿Te ves más cerca del diseño gráfico, la ilustración, la dirección de arte, la comunicación social, la cultura visual o una mezcla de todo?
Ahora mismo me veo en una mezcla de varias disciplinas, Me gusta mucho el diseño gráfico y la ilustración porque me permiten construir mensajes visuales desde cero, pero también me interesa la comunicación social y la capacidad que tiene el diseño para conectar con diferentes públicos.
¿Qué tipo de proyectos te gustaría tener en tu portfolio dentro de unos años?
Me gustaría contar con proyectos variados, pero especialmente con trabajos relacionados con campañas sociales, culturales o educativas.
También me gustaría seguir desarrollando proyectos donde la ilustración tenga un papel importante y donde pueda combinar creatividad, investigación y comunicación visual.
Me ilusiona pensar en un portfolio que refleje tanto mi evolución técnica como visual.
¿Qué crees que puede aportar una mirada joven al diseño social?
Creo que una mirada joven puede aportar nuevas formas de comunicar, una mayor cercanía a los lenguajes visuales contemporáneos y una sensibilidad hacia temas que afectan a nuestra generación.
También puede contribuir a hacer que determinados mensajes lleguen a públicos más amplios a través de formatos y códigos visuales que forman parte de nuestra vida cotidiana. Más que sustituir otras perspectivas, pienso que las complementa y enriquece.
11. Reflexiones finales
De todos estos carteles, ¿cuál sientes más cercano a ti y por qué?
Probablemente el cartel “No es cultura es maltrato”. Aunque todos abordan temas que considero importantes, este tiene un mensaje especialmente cercano para mí porque habla del maltrato animal.
Una cultura que aunque se practique en un país como España me parece que este tipo de entretenimiento no debería de tener cavidad en ningún lado y debería de ser denunciado públicamente ya que el entretenimiento no debería de ser a costa de el maltrato a un animal inocente.
¿Cuál te costó más defender, resolver o cerrar?
Creo que el que más me costó fue el de “Por las que ya no están”, es un tema muy sensible y quería encontrar una forma de representarlo con respeto, evitando caer en imágenes demasiado explícitas o simplificaciones.
Fue una de las piezas en las que más tiempo dediqué a pensar cómo transmitir emociones a través de una imagen
¿Qué le dirías a alguien que piensa que el diseño no sirve para cambiar nada?
Le diría que quizá una pieza de diseño no cambia el mundo por sí sola, pero sí puede cambiar la forma en que una persona mira una realidad.
El diseño está presente en cómo nos informamos, cómo aprendemos y cómo entendemos determinados temas.
Para terminar: después de hacer estos carteles, ¿crees que el diseño debe dar respuestas o más bien invitar a repensar las preguntas?
Creo que puede hacer ambas cosas, pero personalmente me interesa más cuando invita a repensar las preguntas.
Muchas veces los temas sociales no tienen respuestas simples, y el diseño puede ser una herramienta para abrir conversaciones, cuestionar ideas y animar a mirar una realidad desde otra perspectiva.
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